BASILICA

UN SIMBOLO DEL ARTE FLORIANO

Altar mayor desde siempre, Santa Cruz fue un símbolo prestigioso de la ciudad de Florencia y un lugar de reencuentro para los más grandes artistas, teólogos, religiosos, hombres de letras y políticos. Pero fue, asimismo, para las poderosas familias que, tanto en la prosperidad como en la adversidad, participaron en la creación de la identidad de la Florencia de finales de la Edad Media y del Renacimiento. Su convento ofreció hospitalidad a los personajes más célebres de la historia de la iglesia: San Buenaventura, San Antonio de Padua, San Bernardino de Siena, San Luis de Anjou, Obispo de Toulouse. Sirvió, asimismo, como lugar de retiro y reposo para varios Papas: Sixto IV, Eugenio IV, León X, Clemente XIV. Con su arquitectura gótica imponente, sus maravillosos frescos, los retablos del altar, amén de los preciosos vitrales y las numerosas esculturas, esta iglesia representa una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII.
Se pueden admirar las obras de: Cimabue, Giotto, Brunelleschi, Donatello, Giorgio Vasari, Lorenzo Ghiberti, Orcagno, Gaddi, Luca Della Robbia, Giovanni da Milano, Bronzino, Michelozzo, Veneziano, Maso di Banco, Giuliano da Sangallo, Benedetto da Maiano, Antonio Canova, y muchos más. La presencia, notable, de Giotto y de toda su escuela representa una obra muy completa, inestimable testimonio del arte florentino del siglo XIV.

bASILICA

HISTORIA DE LA BASILICA

A sido diseñados los planos por Arnolfo di Cambio. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. Subvencionada por el pueblo y la República florentina, se construyó sobre la base de una pequeña iglesia, cercana a las murallas de la villa, edificada en 1252 por los franciscanos poco después de la muerte de San Francisco. Los restos de la antigua iglesia no pudieron ser localizados hasta 1966 cuando, tras las inundaciones que devastaron la ciudad, una parte del pavimento de la actual basílica se hundió.
Desde su origen, la historia de la Santa Cruz está íntimamente ligada a la propia historia de Florencia. Durante los siete siglos transcurridos desde su fundación, la basílica fue objeto de remodelaciones y nuevos proyectos de modernización adquiriendo, así, nuevas connotaciones simbólicas: desde su origen primero de iglesia franciscana, a convertirse en «municipio» religioso para las grandes familias y las corporaciones de la Florencia medicea, de laboratorio y taller artístico —humanista a comienzos del Renacimiento— a centro teológico, de panteón de las glorias italianas hasta convertirse en un lugar de referencia, en el siglo XIX, de la historia política de la Italia pre y post-unitaria.Santa Cruz es una basílica de Florencia (Italia). Se empezó a construir el 3 de mayo de 1294 sobre las ruinas de una pequeña iglesia erigida en 1252 por los franciscanos tras la muerte de San Francisco de Asís.

HISTORIA DE CHARTRES

HISTORIA DE CHARTRES

La antigua colonia de Chartres fue incendiada por los normandos en el año 858 d. C. Pasó a pertenecer a la Corona francesa en 1286. En 1594 Enrique IV fue coronado rey de Francia en Chartres.Población (1999), 40.361 habitantes.
Economía :es un centro agrícola y fabril en el que se produce principalmente maquinaria, material electrónico, fertilizantes y artículos de cuero. Chartres está formada por una ciudad alta y otra baja unidas por calles empinadas

CHARTRES

CHARTRES

Chartres es una ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Eure y Loir de la que es capital, en la región de Centro. Alberga la catedral de Chartres declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.
Situada a orillas del río Eure fue conocida en diferentes momentos de su historia con los topónimos de Carnutes, Autricum y civitas Carnutum.
Contenido.El punto más elevado de la ciudad está coronado por la catedral de Chartres (siglos XII y XIII), joya del gótico francés, famosa por la belleza de su chapitel meridional, sus esculturas, sus magníficas vidrieras del siglo XIII y su trascoro renacentista; declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.

Que es la fotografia

LAFOTOGRAFIA

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografía digital.El término fotografía, procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.La fotografía puede clasificarse bajo la más amplia denominación de tratamiento de imágenes y, debido a esto, ha fascinado a artistas y demás personas desde sus inicios. Los científicos, sobre todo, han aprovechado su capacidad para plasmar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios, tales como los dedicados a la locomoción humana y animal de Eadweard Muybridge (1887). A los artistas la fotografía los ha seducido por estos aspectos, pero han tratado siempre de ir más allá de la mera representación fotomecánica de la realidad, ya que se puede crear un nuevo "mundo según el punto de vista del artista".

Fotografia

"Estas fotografías son de salidas en las calles, con cámara al hombro, perdiéndome con los ojos abiertos en un mundo donde ya no se mira", dice Auverlau. Logró, por ejemplo, captar una niña jugando al pie del mar, a una novia que va rumbo al altar, a un hombre que abraza una cabra. Todas situaciones cotidianas que cobran una dimensión especial.

Pregunta: ¿Por qué los trabajos en blanco y negro? ¿Qué aporta el blanco y el negro a una fotografía?
Respuesta: Simplifica, estiliza, es directo. Se focaliza el sujeto, la composición, es como escribir a lápiz.

P: ¿La selección de fotografías que presenta en Guayaquil la hizo usted?
R: Sí, es en realidad una pequeña parte de una gran selección que estoy haciendo de mi trabajo documental de hace ya casi 20 años. Hice fotografía documental de este tipo durante muchos años y siempre se guardaban en mi memoria, hasta que decidí hacer algo con ellas. Son fragmentos de mi memoria visual fotográfica. Hace bien verlas de nuevo y confrontarlas juntas. Voy a reunir unas 80 a 100 imágenes para hacer una exposición más grande, más completa, y pienso publicar también un libro de estas fotografías.

Fotografia

Fotografiar en movimiento: arte y reflexión de Olivier Auverlau

Publicado el 16/Septiembre/2007 | 00:00

UNA MIRADA ADENTRO

Los oficios que se esconden detrás de cada película son obra de talentosos artesanos que tejen con luz, color y texturas los encuadres que dan vida a cada historia. En el Ecuador, la nueva industria del cine ve surgir, también detrás de la pantalla, un numeroso grupo de técnicos, encabezado por los directores de fotografía cuya imprescindible labor comentan aquí junto a sus cómplices, los realizadores.

PROPUESTA ESTÉTICA DE LOS CINEASTAS

La muerte y la ciudad, en escena

Víctor Arregui, director de la cinta Cuando me toque a mí, eligió a Daniel Andrade como fotógrafo ya que su a modo de ver: Es un profesional que tiene una comprensión del cine más allá de la parte técnica. Arregui explica que lo que ambos querían en cuanto a propuesta estética era crear una atmósfera citadina, que combine la ciudad con la muerte, que esta es protagonista inminente del filme. El cineasta explica que su película es, visualmente hablando, todo aquello que se propusieron y explica: Cada imagen es como una postal de un rincón de la ciudad. Las imágenes sustentas perfectamente la historia.

"Su estilo es cuidado al milímetro"

Yanara Guayasamín, autora del documental Cuba el valor de una utopía, ha trabajado junto al fotógrafo Olivier Auverlau en sus últimos 10 proyectos y explica que en su último trabajo, el aporte de Auverlau es determinante: La cinta no sería lo que es sin su creatividad, humanidad, manejo de la técnica, su inmensa capacidad de resolver problemas, su involucramiento y tesón.

Para Guayasamín, la cámara en su película: Mira el entorno, no solo al sujeto y pretende adentrarse más allá de lo visible y de lo inmediato.

"La propuesta era vaciar el cuadro"

Tania Hermida comparte con Armando Salazar la experiencia de Qué tan lejos, primera película para ambos.

Para Hermida, la labor de Salazar en la fotografía responde a la necesidad de que cada elemento sea significativo para la historia y que no luzca por sí solo: La propuesta era vaciar el cuadro y que entren en él los elementos importantes para la historia.

Hermida destaca una de sus imágenes preferidas cuando las dos protagonistas esperan en la neblina y de repente aparece el personaje de Jesús.

El documental es arte, no reportaje

Mateo Herrera trabajó junto al fotógrafo FrançoisLaso, en el documental El ´comité y explica: “Para la película nos basamos en un concepto: no utilizar nunca el teleobjetivo el gran angular, porque queríamos una estética no de vigilancia, sino de intimidad.

Sobre la obra de Laso, Herrera comenta: El aporte es total. Es él quien convierte en imágenes todo lo que se discute en el guión y es impresionante como de forma inconsciente se manifiestan en la foto simbolismos e ideas que solo teníamos en la mente.



CÁMARAS LÚCIDAS

’"Lo peor fue rodar en los autos y taxis, eso no se lo deseo a nadie"

Daniel Andrade, 33 años. Director de fotografía de: Esas no son penas, Jaque, 1809- 1810 Mientras llega el día, Dead Doll, Nobody Needs to Know.

¿Cómo le llegó la vocación?
Empecé a hacer fotos desde hace 12 ó 13 años y veía muchos filmes. Algún momento salté a la foto de cine donde controlas todo y usas la iluminación expresivamente.

Preferencias: ¿Digital o análoga?
Quiero más a las análogas pero ahora las traiciono mucho con una digital. Cada vez es más difícil hacer fotos análogas pero cada que las hago juro no volver a las digitales. Todo es más orgánico en las fotos análogas. En cine es lo mismo. La sensación de rodar en celuloide es totalmente distinta, el resultado muy superior.

¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Me gusta que la cámara se mueva solo si realmente lo necesita. No me gustan los encuadres efectistas sino los que ayudan a entender lo que les pasa a los personajes.

¿Qué temas prefiere fotografiar?
En cine, películas que te permitan meterte dentro de los personajes. En foto fija muchas cosas menos paisajes, me salen muy aburridos.

¿Cuál fue el mayor reto en Cuando me toque a mi?
No temblar demasiado con la cámara al final del día. Reproducir luz que se vea muy natural en sitios complicados para iluminar. Los amaneceres fueron una pesadilla pero ahora disfruto mucho viéndolos.


"La foto de cine me dio un gran paso a la foto fija y viceversa"

Olivier Auverlau, 38 años. Director de foto de: más de 80 comerciales en 35 mm. De cuando la muerte nos visitó, Entre Marx y una mujer desnuda, Great Wake, Whale, Pía, Silencio nuclear, entre otras.

¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Hago fotografía para comerciales, cortos, clips. Y en foto fija: reportajes, moda y publicidad.

¿Cuál fue la obra más difícil de plasmar?
Esperar el nacimiento de un bebé, nieto de un personaje en el documental De cuando la muerte nos visitó. El niño nació muerto, el reto era filmar el cuerpo inerte y darle un sentido poético.

¿Qué temas prefiere fotografiar?
El documental, la vida. Pero con eso llego al retrato también. En el cine te cruzas con todo: mezcla de realidad y ficción.

¿Cuál fue el mayor reto en Cuba el valor de una utopía?
Mi primera pisada en América Latina fue a Cuba, en 1992 y al tercer día me tocaba filmar a Fidel Castro en 16mm. No sabía bien hasta dónde podía llegar o acercarme. Coño, era Fidel y yo un belga salido del escuela de cine. Los siguientes encuentros fueron mas fáciles.