viernes, 17 de julio de 2009

LA FOTOGRAFIA


PENSAR EN BLANCO Y NEGRO


La fotografía en blanco y negro pone de manifiesto las formas, volúmenes y detalles esenciales de cualquier sujeto al convertir el complejo juego de luces y colores en tonalidades del gris. La práctica permitirá contemplar los sujetos en términos de su equilibrio tonal y del ambiente que pretenda crear. Un tema sombrío, por ejemplo, pedirá tonos predominantemente obscuros, mientras que una textura delicada irá mejor con un contraste bajo.
PENSAR EN COLOR:Una buena fotografía en color debe provocar una respuesta emocional acorde con el tema que representa, siendo su consecución cosa de gusto y buen juicio más que de normas. Ciertas combinaciones de color resultan en general armoniosas, otras son más llamativas o discordantes. En las fotografías, los colores claros parecen situarse más cerca del observador que los oscuros. Cualquier color queda determinado por los que lo rodean. Un color puro lo parecerá más contra un fondo neutro no saturado, y viceversa, un color fuerte se debilitará en presencia de otros igualmente fuertes.
Los colores armoniosos están próximos en el circulo cromático, los contrastados ocupan lugares opuestos. Ver más información sobre el circulo cromático y sobre la teoría del color en News Artes Viruales
LA FORMA:La forma, el volumen, la textura y el color son diferentes aspectos del carácter físico de los objetos. Los estudiantes deben utilizar estos aspectos para investigar sus posibilidades como recursos de creación artística. La forma es el más importante de estos cuatro elementos ya que regularmente, para reconocer un objeto nos basta su silueta.

LA FOTOGRAFIA


PROFUNDIDAD


La creación de la sensación de profundidad en una superficie plana es un problema legendario para pintores y dibujantes. Los principios geométricos de la perspectiva lineal, tan utilizada por estos, es inherente a casi todas las fotografías. Pero además de la perspectiva lineal puede lograrse sensación de profundidad utilizando la neblina atmosférica que hace que los objetos distantes tengan colores más claros y menor definición que los del primer plano. Por ser la neblina un fenómeno atmosférico que no siempre está presente, el enfoque selectivo es la técnica de separación de lo lejano y lo próximo más utilizada por los fotógrafos. Una gran abertura del diafragma (f2.8) producirá poca profundidad, dejando fuera de foco los objetos situados por delante y por detrás del centro de atención. Puede ver algunos ejemplos sencillos pero muy ilustrativos de los resultados que se obtienen de una misma imagen con diferentes valores en la velocidad de obturación y apertura del diafragma (profundidad de campo) en Motivarte.com
PERSPECTIVAHay ocasiones en las que con solo cambiar el ángulo de la toma se incrementa la sensación de lejanía que da la perspectiva lineal.

LA FOTOGRAFIA


EL CENTRO DE ATENCIÓN


Mediante la fotografía, el estudiante puede expresar sus emociones, ideas y sentimientos, observando de su entorno. Cuanto más complicado sea lo que estemos observando, más importante será determinar un punto de vista y un ángulo que clarifiquen la imagen e ilustren exactamente lo que se pretende. Cada vez que se hace una fotografía hay que preguntarse qué es lo que se quiere decir y analizar estas intenciones conscientemente en lugar de dejarlas a merced del azar o de la intuición. Por ejemplo, al inclinar la cámara hacia abajo y hacer la toma desde este punto desaparece cualquier fondo inconveniente o se elimina el primer plano. Ensaye un ángulo diferente. Sea creativo. Agáchese y vea al sujeto de una nueva forma, tómese su tiempo para encontrar el mejor ángulo.Decida si hay elementos irrelevantes, distractores, excluibles o disimulables, desde otra posición. Probando varios puntos de toma es fácil darse cuenta de que se puede llegar al fondo de la esencia del sujeto. La reflexión crítica sobre lo que se ve es una parte vital del proceso de exploración. Por otra parte, es fácil olvidar la importancia que tienen ciertos detalles a la hora de contextualizar y establecer una escala de tamaños en una fotografía, lo que exige concentrarse en el visor para no dejar fuera nada importante. Así, el tamaño del sujeto sólo será obvio si en la imagen se incluye algo de tamaño conocido con que compararlo, como una persona.

LA FOTOGRAFIA

En la fotografía, la organización es el primer elemento del lenguaje plástico-visual con el que debe familiarizarse el estudiante. La cámara, contrario a la mirada humana de una escena, reproduce sin distingos todo que aparece en el encuadre. Debido a esto, los principiantes se sorprenden cuando aparecen cosas o personas inesperadas en sus fotografías: líneas que cortan un paisaje, o en primer plano un brazo sin cuerpo o un cable eléctrico. Frecuentemente sucede esto porque el fotógrafo no repara en estos elementos durante la toma, por estar concentrado en su punto de interés.La mirada escrutadora del ojo es algo que el fotógrafo debe imponer a la imagen mediante el enfoque selectivo o cambiando el punto de toma para que los detalles sin interés desaparezcan, se emborronen (mediante la profundidad de campo), se oculten o queden supeditados a la composición general. Para lograrlo hay que aprender a mirar como cámara y no como persona que al mirar una escena se concentra en lo que le interesa, ignorando lo demás.La fuerza de una imagen formal radica frecuentemente en la relación de los elementos que la componen con las líneas imaginarias que la dividen horizontal y verticalmente, en tres partes iguales. Aquéllas con primer plano, distancias medias y fondo claramente discernible resultan especialmente eficaces si estas áreas forman tercios. La intersección entre dos tercios horizontal y vertical constituye una buena localización para el centro de interés. Desde aquí la vista puede recorrer toda la imagen siguiendo líneas y curvas o recorriendo centros secundarios de atención.

FOTOGRAFIA DE LAS CATEDRALES

















FOTOGRAFIAS DE LAS CATEDRALES


















EL MISTERIO DE LAS CATEDRALES

EL MISTERIO DE LAS CATEDRALES

El Misterio de las catedrales es sin duda alguna, un texto que resulta no solamente complejo para el neófito, sino una verdadera practica de complejos principios, dirigidos a un grupo selecto de lectores o iniciados, redactado en una forma de codificación o simbolismo que solamente puede ser descifrada por aquel que dispone del discernimiento que, considero solamente se puede lograr con la educación, conocimientos e inteligencia enfocados a tales efectos, la superficial explicación del que desconoce el origen y significado de esta obra, resultaría más inocente, atrevida y consecuentemente errónea, que siquiera mínimamente aproximada a la verdadera naturaleza y finalidad de este texto, luego la opinión que en este ensayo expongo no pretende el resumen o explicación, sino una mera posición que servirá mas para juicio del que opina, que del texto mismo.
Siendo esta la primera vez que me permito leer “El misterio de las catedrales” escrito aparentemente en 1925 por Fullcanelli, quien utiliza este nombre anónimo, cuyo significado es para mí también anónimo, me permito expresar la siguiente opinión.
“El enigma de las catedrales” es un texto que fue recuperado aparentemente por E. Canseliet, amistad de Fullcanelli, al parecer también su único amigo y testigo de su verdadera existencia, hacia 1925, el mismo es el encargado de la elaboración del prologo, ilustración y de su publicación.
E. Canseliet, es un personaje que escribe y redacta con clara y expresa educación, especialmente profunda en las artes de astrología, psicología, teología, química, historia, y sobre todo conocimiento filosófico que considero poco convencional, creador de el prologo de esta obra “el misterio de las catedrales”, texto dirigido explícitamente a un grupo especifico denominado “los herméticos”, está escrito con una redacción culta, educada, enfocada y con rasgos de conocimiento de léxico de estilo medieval y alquímico, y al igual que esta ultima hermética por naturaleza.
Inicialmente el prologo presenta una formula claramente medieval, de origen y estilo declaradamente alquímico, aparentemente una pequeña muestra de este conocimiento, una especie de cátedra donde se deja entrever el conocimiento que lleva a la creación de oro a partir de una base de plomo que siendo tratada cuidadosamente por el instruido lleva a la creación de oro y plata totalmente puros, aunque el proceso parece ser sencillo y claro, no es completo en cuanto a los elementos y detalles de precisión que el mismo párrafo recomienda absolutamente indispensables para su práctica.
Siguiendo con la lectura nos encontramos con La Estatua de San Marcelo, que se encuentra actualmente en el pórtico de Nótre-Dame, en Francia, se afirma que dicha estatua, (la original) tiene un significado importante para los alquimistas, pues sus elementos están cuidados y cada uno tiene un significado preciso que solo el alquimista deberá entender, así describe como esta obra fue modificada, esto debido al desconocimiento que se tuvo de su sentido, y finalmente como es corregida para salvar este claro error, se fotografió con la técnica de daguerrotipo (técnica fotográfica primitiva pionera de la fotografía moderna, misma que no es explicada en el texto y que no considero imprescindible explicar).
En los primeros capítulos del texto propiamente dicho “El Misterio de las Catedrales” Fullcanelli expresa en un estilo sencillo, su admiración por el preciso trabajo arquitectónico del arte manifiesto en la catedral de estilo gótico (esto a modo de introducción), al mismo tiempo ofrece una humilde explicación de su naturaleza y trascendencia, donde describe con sus propias palabras como “…una vasta concreción de ideas, de tendencias y de fe populares, como un todo perfecto al que podemos acudir sin temor cuando tratamos de conocer el pensamiento de nuestros antepasados, en todos los terrenos: religioso, laico, filosófico o social.”
Desde mí limitado punto de vista esta frase parece resumir los primeros capítulos con una clara intención dirigida al entendimiento de varios grupos, pues que cada quien entienda lo que tenga derecho y capacidad de entender…, al mismo tiempo prepara el camino que para la explicación que más adelante concreta en capítulos de contexto medieval cada vez más específicos, nos deja entrever que las catedrales son símbolos precisos con significados igualmente precisos y enfocados que están conformados por elementos muy anteriores al cristianismo, y con ello anteriores a la superficial tradición, cuyo verdadero significado solamente podrá ser distinguido por aquel que haya sido iniciado, al mismo tiempo superficialmente satisface las aspiraciones tanto de la tradición religiosa, los paganos, y los filósofos.
Explica el significado y sentido del arte gótico (si es adecuado después de leer este texto llamarlo así), su trascendencia en la transmisión del conocimiento hermético, en un breve capítulo IV deja entrever el verdadero origen del arraigado símbolo de la cruz que usualmente se atribuye al cristianismo hace 2 milenios, y como su verdadero significado trasciende la sencilla explicación tradicional cristiana, se nos habla de el significado de los rosetones (piedra en forma de cruz que adornaba las iglesias medievales), y su finalidad no solamente ornamental sino orientadora.
Continuando con el capítulo VII nos encontramos con un dominio de las escrituras de los libros, donde se manifiesta que la tradición del nacimiento de Jesús no está limitada o restringida a la religión judía, sino que es más amplia y anterior, y relaciona el simbolismo católico de vírgenes, predicciones y símbolos de fecundación estelar con el simbolismo egipcio y nos presenta esta herencia cultural como siempre presente en la mayoría de los símbolos aparentemente religiosos cristianos actuales, especialmente en la arquitectura gótica y nos presenta al renacimiento como un estilo artístico y cultural que ha perdido de vista el significado original y verdadero de cada uno de los detalles de los símbolos de todas las formas personajes, colores y nombres, convirtiéndolos en meras copias malhechas desfiguradas y sin significado consistente.
En el capitulo denominado Paris, nos ofrece una explicación superficial sencilla y breve de el significado de los símbolos y con ello la relación que existe entre ellos desde el punto de vista de la alquimia y el conocimiento hermético, nos habla de Hermes (mercurio), del significado del dragón, del cáliz, del cayado, y de los relativos al simbolismo gótico, su naturaleza hermética, y su valor para aquellos que han sido iniciados en este conocimiento.
Se nos habla de la piedra filosofal que en oposición a los textos contemporáneos no consistía en la transformación de la materia vulgar en oro, sino en el desarrollo de esa capacidad humana de transformación, que en su práctica vulgar nos permitiría transformaciones químicas sorprendentes al pueblo.
No es de extrañar que el lenguaje sea de una naturaleza distinta, de un simbolismo que nos parecerá complejo, sin la fluidez susceptible del texto contemporáneo, para entender mejor esta obra se requiere primeramente conocer el contexto en el que fue creado, el contexto de alquimia es filosofía, astrología, religión, química, psicología, todos ellos en el ambiente del Medioevo , una Europa en la que el conocimiento y la ciencia como tal estaba reservada para la burguesía, en la cual la iglesia católica marcaba, limitaba y definía las tendencias filosóficas, artísticas y científicas, cuando los vicios de la costumbre reservada y miope no permitían más que las ideas establecidas, lo que no se podía entender o explicar con el conocimiento convencional resultaba cosa del diablo, este contexto obviamente obligó a aquel que deseaba transmitir el conocimiento en un lenguaje que no pudiera entender aquel grupo al que no fuera dirigido, esto por seguridad, y por conservación de la precisión de la idea original, la arquitectura en las iglesias estaba al alcance de todos, desde el pueblo por definición vulgar, hasta los herméticos, burgueses y extranjeros que podían apreciar estas obras maestras de diseño y destreza en su práctica de la arquitectura gótica, hacer de las iglesias manuales de simbolismo garantizaría la permanencia, publicación e inalterabilidad.
La frase considero mejor resume el contexto de esta obra es:
Edificadas por los Frimasons medievales para asegurar la transmisión de los símbolos y de la doctrina hermética, nuestras grandes catedrales ejercieron, desde su aparición, considerable influencia sobre gran número de muestras más modestas de la arquitectura civil o religiosa.
Al finalizar la obra (aunque sea el contexto general de la misma), no se nos habla de formulas, símbolos o hermetismo, al contrario se nos habla con una redacción sencilla amena y directa que nos invita a la abertura al conocimiento, a la humildad, honestidad, al trabajo arduo y sostenido, sin duda alguna Fullcanelli es un autor que posee valores que expresa con claridad y conciencia, y se remata con cuatro consejos, Saber, Poder, Atrever y finalmente Callar.

COMIC GOTICOS


GOTICOS CAÓTICOS.


Un cómic de la mano de Abel Portillo y Miam Sánchez donde se hace referencia a los distintos estereotipos que nos podemos encontrar dentro del ambiente Gotico.
Narrado a base de Humor negro, éste comic hará surgir las más espectrales carcajadas de los habitantes del mundo de las tinieblas, incluso al más true de los Goths.
Es la guía definitiva, conocerás los distintos tipos de Djs. que pinchan en las discotecas dedicadas a éste movimiento, al andrógeno, al Emo, al Vampiro Romántico, la Electropingui, el SiniestroPunk, la Victoriana, y MÁS, MUCHO MÁS.
Contiene biografías de grupos musicales que marcaron una época en el mundillo gótico, y una guía de locales Góticos a tu disposición. ¡¡¡TODO ESTO POR 2 EURETES!!!,
No es ninguna broma...Ven...y ¡¡¡COMPRUÉBALO!!!.
Visítanos en el Salón del Manga, podrás llevarte el cómic firmado por los autores, con dibujillos y esas cosas....
Y EN DICIEMBRE A LA VENTA PARA EL RESTO DE ESPAÑA EN TU LIBRERÍA ESPECIALIZADA EN CÓMICS

VIDA DE SANTA TERESITA


SANTA TERESITA


Iglesia le dedica este día para que la conozcamos y tratemos de imitar sus virtudes de delicadeza y pefección en las cosas pequeñas.
Hay dos santas con el mismo nombre: Santa Teresita del Niño Jesús o de Lisieux y Santa Teresa de Ávila (15 de Octubre). Ambas fueron monjas carmelitas, nos dejaron una autobiografía y son santas doctoras de la Iglesia.
María Francisca Teresa nació el 2 de Enero de 1873 en Francia. Hija de un relojero y una costurera de Alençon. Tuvo una infancia feliz y ordinaria, llena de buenos ejemplos. Teresita era viva e impresionable, pero no particularmente devota.
En 1877, cuando Teresita tenía cuatro años, murió su madre. Su padre vendió su relojería y se fue a vivir a Lisieux donde sus hijas estarían bajo el ciudado de su tía, la Sra. Guerin, que era una mujer excelente. Santa Teresita era la preferida de su padre. Sus hermanas eran María, Paulina y Celina. La que dirigía la casa era María y Paulina que era la mayor se encargaba de la educación religiosa de sus hermanas. Les leía mucho en el invierno.
Cuando Teresita tenía 9 años, Paulina ingresó al convento de las carmelitas. Desde entonces, Teresita se sintió inclinada a seguirla por ese camino. Era una niña afable y sensible y la religión ocupaba una parte muy importante de su vida.
Cuando Teresita tenía catorce años, su hermana María se fue al convento de las carmelitas igual que Paulina. La Navidad de ese año, tuvo la expeirencia que ella llamó su “conversión”. Dice ella que apenas a una hora de nacido el Niño Jesús, inundó la oscuridad de su alma con ríos de luz. Decía que Dios se había hecho débil y pequeño por amor a ella para hacerla fuerte y valiente. Al año siguiente, Teresita le pidió permiso a su padre para entrar al convento de las carmelitas y él dijo que sí. Las monjas del convento y el obispo de Bayeux opinaron que era muy joven y que debía esperar.
Algunos meses más tarde fueron a Roma en una peregrinación por el jubileo sacerdotal del Papa León XIII. Al arrodillarse frenta al Papa para recibir su bendición, rompió el silencio y le pidió si podía entrar en el convento a los quince años. El Papa quedó impresionado por su aspecto y modales y le dijo que si era la voluntad de Dios así sería
Teresita rezó mucho en todos los santuarios de la peregrinación y con el apoyo del Papa, logró entrar en el Carmelo en Abril de 1888. Al entrar al convento, la maestra de novicias dijo; “ Desde su entrada en la orden, su porte tenía una dignidad poco común de su edad, que sorprendió a todas las religiosas.” Profesó como religiosa el 8 de Septiembre de 1890. Su deseo era llegar a la cumbre del monte del amor

BASILICA



MODIFICACION DE LA BASILICA

Tumba de Miguel Ángel las vicisitudes históricas y políticas que han acompañado la vida de Santa Cruz hasta la actualidad, han dejado su huella impresa, ya sea por las intervenciones artísticas y arquitectónicas (por ejemplo las transformaciones radicales efectuadas por Vasari a mediados del siglo XVI; o los lamentables esfuerzos desplegados en el siglo XIX para transformar el complejo de Santa Cruz en un gran mausoleo de la historia italiana), ya sea en los testimonios cuidadosamente conservados en sus archivos en los que se reconstruyen las etapas de la construcción cotidiana, en el transcurso de los siglos, de un gran proyecto, con sus artesanos, sus recursos, sus objetivos y dificultades.
Santa Cruz ha sido definida como el Panteón de las glorias italianas, porque la iglesia acoge las sepulturas de personajes tan ilustres como:
Nicolás Maquiavelo, Galileo Galilei, Miguel Ángel, Gioacchino Rossini, Vasari, Lorenzo Ghiberti, Vittorio Alfieri y Ugo Foscolo.
El atractivo encanto de estos lugares, maravillosa síntesis del arte, la espiritualidad y la historia, es admirado por los millones de personas que lo visitan cada año.
Esta basílica es conocida por ser el lugar donde
Stendhal en 1817 padeció los síntomas de vértigo, palpitaciones, confusión, etc, llamándose a partir de ese momento Síndrome de Stend

BASILICA



UN SIMBOLO DEL ARTE FLORIANO


Altar mayor desde siempre, Santa Cruz fue un símbolo prestigioso de la ciudad de Florencia y un lugar de reencuentro para los más grandes artistas, teólogos, religiosos, hombres de letras y políticos. Pero fue, asimismo, para las poderosas familias que, tanto en la prosperidad como en la adversidad, participaron en la creación de la identidad de la Florencia de finales de la Edad Media y del Renacimiento. Su convento ofreció hospitalidad a los personajes más célebres de la historia de la iglesia: San Buenaventura, San Antonio de Padua, San Bernardino de Siena, San Luis de Anjou, Obispo de Toulouse. Sirvió, asimismo, como lugar de retiro y reposo para varios Papas: Sixto IV, Eugenio IV, León X, Clemente XIV. Con su arquitectura gótica imponente, sus maravillosos frescos, los retablos del altar, amén de los preciosos vitrales y las numerosas esculturas, esta iglesia representa una de las páginas más importantes de la historia del arte florentino desde el siglo XIII.
Se pueden admirar las obras de:
Cimabue, Giotto, Brunelleschi, Donatello, Giorgio Vasari, Lorenzo Ghiberti, Orcagno, Gaddi, Luca Della Robbia, Giovanni da Milano, Bronzino, Michelozzo, Veneziano, Maso di Banco, Giuliano da Sangallo, Benedetto da Maiano, Antonio Canova, y muchos más. La presencia, notable, de Giotto y de toda su escuela representa una obra muy completa, inestimable testimonio del arte florentino del siglo XIV.

bASILICA


HISTORIA DE LA BASILICA

A sido diseñados los planos por Arnolfo di Cambio. Es la iglesia franciscana más grande del mundo. Subvencionada por el pueblo y la República florentina, se construyó sobre la base de una pequeña iglesia, cercana a las murallas de la villa, edificada en 1252 por los franciscanos poco después de la muerte de San Francisco. Los restos de la antigua iglesia no pudieron ser localizados hasta 1966 cuando, tras las inundaciones que devastaron la ciudad, una parte del pavimento de la actual basílica se hundió.
Desde su origen, la historia de la Santa Cruz está íntimamente ligada a la propia historia de Florencia. Durante los siete siglos transcurridos desde su fundación, la basílica fue objeto de remodelaciones y nuevos proyectos de modernización adquiriendo, así, nuevas connotaciones simbólicas: desde su origen primero de iglesia franciscana, a convertirse en «municipio» religioso para las grandes familias y las corporaciones de la Florencia medicea, de laboratorio y taller artístico —humanista a comienzos del
Renacimiento— a centro teológico, de panteón de las glorias italianas hasta convertirse en un lugar de referencia, en el siglo XIX, de la historia política de la Italia pre y post-unitaria.Santa Cruz es una basílica de Florencia (Italia). Se empezó a construir el 3 de mayo de 1294 sobre las ruinas de una pequeña iglesia erigida en 1252 por los franciscanos tras la muerte de San Francisco de Asís.

HISTORIA DE CHARTRES


HISTORIA DE CHARTRES



La antigua colonia de Chartres fue incendiada por los normandos en el año 858 d. C. Pasó a pertenecer a la Corona francesa en 1286. En 1594 Enrique IV fue coronado rey de Francia en Chartres.Población (1999), 40.361 habitantes.
Economía :es un centro agrícola y fabril en el que se produce principalmente maquinaria, material electrónico, fertilizantes y artículos de cuero. Chartres está formada por una ciudad alta y otra baja unidas por calles empinadas

CHARTRES

CHARTRES

Chartres es una ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Eure y Loir de la que es capital, en la región de Centro. Alberga la catedral de Chartres declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.
Situada a orillas del
río Eure fue conocida en diferentes momentos de su historia con los topónimos de Carnutes, Autricum y civitas Carnutum.
Contenido.El punto más elevado de la ciudad está coronado por la
catedral de Chartres (siglos XII y XIII), joya del gótico francés, famosa por la belleza de su chapitel meridional, sus esculturas, sus magníficas vidrieras del siglo XIII y su trascoro renacentista; declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979.

miércoles, 1 de julio de 2009

Que es la fotografia


LAFOTOGRAFIA

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografía digital.El término fotografía, procede del griego φως phos ("luz"), y γραφίς grafis ("diseñar", "escribir") que, en conjunto, significa "diseñar/escribir con la luz". Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.La fotografía puede clasificarse bajo la más amplia denominación de tratamiento de imágenes y, debido a esto, ha fascinado a artistas y demás personas desde sus inicios. Los científicos, sobre todo, han aprovechado su capacidad para plasmar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios, tales como los dedicados a la locomoción humana y animal de Eadweard Muybridge (1887). A los artistas la fotografía los ha seducido por estos aspectos, pero han tratado siempre de ir más allá de la mera representación fotomecánica de la realidad, ya que se puede crear un nuevo "mundo según el punto de vista del artista".

Fotografia

"Estas fotografías son de salidas en las calles, con cámara al hombro, perdiéndome con los ojos abiertos en un mundo donde ya no se mira", dice Auverlau. Logró, por ejemplo, captar una niña jugando al pie del mar, a una novia que va rumbo al altar, a un hombre que abraza una cabra. Todas situaciones cotidianas que cobran una dimensión especial.

Pregunta: ¿Por qué los trabajos en blanco y negro? ¿Qué aporta el blanco y el negro a una fotografía?
Respuesta: Simplifica, estiliza, es directo. Se focaliza el sujeto, la composición, es como es
cribir a lápiz.

P: ¿La selección de fotografías que presenta en Guayaquil la hizo usted?
R: Sí, es en realidad una pequeña parte de una gran selección que estoy haciendo de m
i trabajo documental de hace ya casi 20 años. Hice fotografía documental de este tipo durante muchos años y siempre se guardaban en mi memoria, hasta que decidí hacer algo con ellas. Son fragmentos de mi memoria visual fotográfica. Hace bien verlas de nuevo y confrontarlas juntas. Voy a reunir unas 80 a 100 imágenes para hacer una exposición más grande, más completa, y pienso publicar también un libro de estas fotografías.

Fotografia


Fotografiar en movimiento: arte y reflexión de Olivier Auverlau

Publicado el 16/Septiembre/2007 | 00:00

UNA MIRADA ADENTRO

Los oficios que se esconden detrás de cada película son obra de talentosos artesanos que tejen con luz, color y texturas los encuadres que dan vida a cada historia. En el Ecuador, la nueva industria del cine ve surgir, también detrás de la pantalla, un numeroso grupo de técnicos, encabezado por los directores de fotografía cuya imprescindible labor comentan aquí junto a sus cómplices, los realizadores.

PROPUESTA ESTÉTICA DE LOS CINEASTAS

La muerte y la ciudad, en escena

Víctor Arregui, director de la cinta Cuando me toque a mí, eligió a Daniel Andrade como fotógrafo ya que su a modo de ver: Es un profesional que tiene una comprensión del cine más allá de la parte técnica. Arregui explica que lo que ambos querían en cuanto a propuesta estética era crear una atmósfera citadina, que combine la ciudad con la muerte, que esta es protagonista inminente del filme. El cineasta explica que su película es, visualmente hablando, todo aquello que se propusieron y explica: Cada imagen es como una postal de un rincón de la ciudad. Las imágenes sustentas perfectamente la historia.

"Su estilo es cuidado al milímetro"

Yanara Guayasamín, autora del documental Cuba el valor de una utopía, ha trabajado junto al fotógrafo Olivier Auverlau en sus últimos 10 proyectos y explica que en su último trabajo, el aporte de Auverlau es determinante: La cinta no sería lo que es sin su creatividad, humanidad, manejo de la técnica, su inmensa capacidad de resolver problemas, su involucramiento y tesón.

Para Guayasamín, la cámara en su película: Mira el entorno, no solo al sujeto y pretende adentrarse más allá de lo visible y de lo inmediato.

"La propuesta era vaciar el cuadro"

Tania Hermida comparte con Armando Salazar la experiencia de Qué tan lejos, primera película para ambos.

Para Hermida, la labor de Salazar en la fotografía responde a la necesidad de que cada elemento sea significativo para la historia y que no luzca por sí solo: La propuesta era vaciar el cuadro y que entren en él los elementos importantes para la historia.

Hermida destaca una de sus imágenes preferidas cuando las dos protagonistas esperan en la neblina y de repente aparece el personaje de Jesús.

El documental es arte, no reportaje

Mateo Herrera trabajó junto al fotógrafo FrançoisLaso, en el documental El ´comité y explica: “Para la película nos basamos en un concepto: no utilizar nunca el teleobjetivo el gran angular, porque queríamos una estética no de vigilancia, sino de intimidad.

Sobre la obra de Laso, Herrera comenta: El aporte es total. Es él quien convierte en imágenes todo lo que se discute en el guión y es impresionante como de forma inconsciente se manifiestan en la foto simbolismos e ideas que solo teníamos en la mente.



CÁMARAS LÚCIDAS

’"Lo peor fue rodar en los autos y taxis, eso no se lo deseo a nadie"

Daniel Andrade, 33 años. Director de fotografía de: Esas no son penas, Jaque, 1809- 1810 Mientras llega el día, Dead Doll, Nobody Needs to Know.

¿Cómo le llegó la vocación?
Empecé a hacer fotos desde hace 12 ó 13 años y veía muchos filmes. Algún momento salté a la foto de cine donde controlas todo y usas la iluminación expresivamente.

Preferencias: ¿Digital o análoga?
Quiero más a las análogas pero ahora las traiciono mucho con una digital. Cada vez es más difícil hacer fotos análogas pero cada que las hago juro no volver a las digitales. Todo es más orgánico en las fotos análogas. En cine es lo mismo. La sensación de rodar en celuloide es totalmente distinta, el resultado muy superior.

¿Qué tipo de plano, encuadre, movimiento de cámara prefiere?
Me gusta que la cámara se mueva solo si realmente lo necesita. No me gustan los encuadres efectistas sino los que ayudan a entender lo que les pasa a los personajes.

¿Qué temas prefiere fotografiar?
En cine, películas que te permitan meterte dentro de los personajes. En foto fija muchas cosas menos paisajes, me salen muy aburridos.

¿Cuál fue el mayor reto en Cuando me toque a mi?
No temblar demasiado con la cámara al final del día. Reproducir luz que se vea muy natural en sitios complicados para iluminar. Los amaneceres fueron una pesadilla pero ahora disfruto mucho viéndolos.


"La foto de cine me dio un gran paso a la foto fija y viceversa"

Olivier Auverlau, 38 años. Director de foto de: más de 80 comerciales en 35 mm. De cuando la muerte nos visitó, Entre Marx y una mujer desnuda, Great Wake, Whale, Pía, Silencio nuclear, entre otras.

¿Qué tipo de fotografía hace cuando no trabaja en cine?
Hago fotografía para comerciales, cortos, clips. Y en foto fija: reportajes, moda y publicidad.

¿Cuál fue la obra más difícil de plasmar?
Esperar el nacimiento de un bebé, nieto de un personaje en el documental De cuando la muerte nos visitó. El niño nació muerto, el reto era filmar el cuerpo inerte y darle un sentido poético.

¿Qué temas prefiere fotografiar?
El documental, la vida. Pero con eso llego al retrato también. En el cine te cruzas con todo: mezcla de realidad y ficción.

¿Cuál fue el mayor reto en Cuba el valor de una utopía?
Mi primera pisada en América Latina fue a Cuba, en 1992 y al tercer día me tocaba filmar a Fidel Castro en 16mm. No sabía bien hasta dónde podía llegar o acercarme. Coño, era Fidel y yo un belga salido del escuela de cine. Los siguientes encuentros fueron mas fáciles.